Поиск
18 мая 2016

Почему стоит посетить выставку Salvatore Ferragamo

Сегодня Salvatore Ferragamo открыл в своем флорентийском музее выставку, посвященную союзу моды и искусства. Делимся интересными фактами о ее главных экспонатах — платье Elsa Schiaparelli с лобстером, «мондриановском» платье Yves Saint Laurent и других.
Почему стоит посетить выставку Salvatore Ferragamo
  • Текст: Ирина Дубина

Принято считать, что высокая мода зародилась в Париже отцом-основателем Чарльзом Фредериком Уортом. Впрочем, он был далеко не единственным влиятельным кутюрье конца XIX века, а модная жизнь кипела и за пределами французской столицы. Так, одной из ключевых фигур в Милане была Роса Дженони — успешный дизайнер и убежденная феминистка, с которой и началась история итальянской haute couture. В конце XIX века она отправилась в Париж, где получила опыт работы швеей, но вскоре вернулась в родную Италию и открыла собственное ателье. Несмотря на свои прогрессивные взгляды, Дженони не собиралась избавлять женщин от стягивающего тело корсета (в противовес распространившемуся по Европе движению за «реформаторское платье»), зато ее главным источником вдохновения было итальянское искусство эпохи Возрождения. В 1906 году Дженони отправилась на Международную выставку в Милане, где представила 14 платьев, созданных по мотивам работ Боттичелли, Браманте, Донателло, Гирландайо, Тициана и других. Одним из экспонатов стала мантия, напоминающая акварельные наброски Антонио Пизанелло — ее и можно будет увидеть на выставке Salvatore Ferragamo.


Rosa Genoni, 1906 г.; Пизанелло, наброски, XV в.

Примеры синергии моды и искусства предложил еще Поль Пуаре в начале XX века — он регулярно сотрудничал с Леоном Бакстом, Эрте и Раулем Дюфи, которые создавали для него иллюстрации и плакаты. Эту традицию продолжила в 1930-е Эльза Скиапарелли, о которой Габриэль Шанель пренебрежительно отзывалась: «эта итальянская художница, которая делает одежду». Пропагандируемая мадемуазель функциональная мода действительно шла вразрез с сюрреалистичными костюмами от Скиапарелли, которые та придумывала на пару со своим другом Сальвадором Дали. Впрочем, итальянка и не открещивалась от статуса художника: там, где другие видели просто одежду, предназначенную для того, чтобы скрывать плоть, она видела поле для творческого самовыражения. В союзе Скиапарелли и Дали есть резон — в своих работах художники-сюрреалисты транслировали измененные коннотации тела и предметов, которые вовсе не обязаны были отвечать реальности, и авангардные платья и аксессуары дизайнера стали тому эстетическим доказательством. И Дали, и Скиапарелли стремились стимулировать у зрителя новое восприятие привычных вещей — например, самый обыкновенный лобстер может стать принтом на платье или телефонной трубкой.


Elsa Schiaparelli, 1937 г.; «Телефон-омар», Сальвадор Дали, 1936 г.

Перед тем как обосноваться во Флоренции и создать собственную мастерскую, Сальваторе Феррагамо набивал руку в костюмерных голливудских киностудий, делая обувь для звезд черно-белых фильмов (забегая вперед, заметим: через много лет Феррагамо вернется в Голливуд и будет обувать Софи Лорен, Одри Хепберн и Лорен Бэколл). Как признавался потом сам мастер, именно в эти годы он понял, насколько важна связь между искусством и модой. Феррагамо то и дело пытался связать два этих мира воедино: например, в 1930-х годах он попросил известного итальянского художника-футуриста Лучио Венну создать для его мастерской рекламный плакат. В 1950-е внимание дизайнера привлек американский абстракционист Кеннет Ноланд, известный своими работами, напоминающими симультанную живопись Сони Делоне. С художником знаменитого обувщика роднила любовь к ярким, экспрессивным цветам — вспомнить хотя бы те самые босоножки на огромной платформе, которые Феррагамо в 1938 году создал для Джуди Гарланд.


Salvatore Ferragamo, модель Tirassegno, 1958 г.; Кеннет Ноланд, 1958 г.

Энди Уорхол, прозванный «отцом поп-культуры», начинал карьеру с иллюстраций для модных журналов, в том числе для Harper’s Bazaar. В 1962 году он организовал свою первую крупную выставку, давшую старт его вирусной популярности, а также показал публике новую работу — серию плакатов с изображением жестяной банки супа Campbell, которая вспоследствии стала одним из самых громких поп-символов. Сам Уорхол называл «банку» своей любимой работой. Спустя 4 года художник решил реинкарнировать знаменитый плакат, но в новом формате — перенеся его на мини-платья актуального А-силуэта, которые были названы The Souper Dress. Примечательно, что платья были сделаны из бумаги — в то время это был довольно популярный, хотя и скоро изживший себя тренд. Выбор и изображения, и материала неслучаен. Во‑первых, в английском языке слово «soup» созвучно глаголу «sup» (есть, ужинать), а во-вторых, бумажные платья были крайне недолговечны и отправлялись на свалку буквально через пару носок. Таким образом, The Souper Dress стали своеобразным манифестом Уорхола о современной культуре — консьюмеристской, ненасытной и пустой.


«The Souper Dress», Энди Уорхол, 1966−1967 гг.; «Campbell's Soup Cans» (фрагмент), Энди Уорхол, 1962 г.

«Мондриановское» платье Ива Сен-Лорана, которое появилось в коллекции осень-зима1965/1966 (среди источников вдохновения кутюрье была также живопись Казимира Малевича и Сержа Полякова), стало ключевым в истории обеих задействованных фигур. Динамичные линии композиций Пита Мондриана идеально подошли ключевым силуэтам середины 1960-х — мода стремилась избавиться от напыщенных декоративных приемов в духе диоровского New Look, чтобы выглядеть более свежо и современно и отвечать запросам новой, молодой аудитории. Ив Сен-Лоран смог почувствовать это и создал образ, ставший символом моды нового поколения: лаконичное платье, состоящее из сшитых между собой цветных блоков (а не напечатанных на одном полотне ткани, как думают многие). Так оба творца получили статус культовых персонажей, превратив свои имена в бренды: Сен-Лоран — при жизни, Мондриан — посмертно. Кстати, именно после этой коллекции Ив Сен-Лоран стал регулярно обращаться к искусству в своих работах, делая оммажи Ван Гогу, Анри Матиссу, Жоржу Браку и Пабло Пикассо.


Yves Saint Laurent, 1965 г.; «Композиция с красным, синим и желтым», Пит Мондриан, 1930 г.

Выставки в рамках проекта «Across Art and Fashion» пройдут в пяти разных локациях в течение года:

Across Art and Fashion: The 19th Century in Fashion
Gallerie degli Uffizi, Флоренция
19 мая — 24 июля 2016 года

Across Art and Fashion: Collaboration
Museo Marino Marini, Флоренция
19 мая — 31 июля 2016 года

Across Art and Fashion: Italian Periodicals in the 1900s
Biblioteca Nazionale Centrale Firenze, Флоренция
20 мая — 15 октября 2016 года

Across Art and Fashion
Museo Salvatore Ferragamo, Флоренция
19 мая 2016 года — 7 апреля 2017 года

Across Art and Fashion: Nostalgia for the Future in Post-war Artists' Fabric
Museo del Tessuto, Прато
21 мая 2016 года — 19 февраля 2017 года